Resumen primer capitulo

Como Becker dice, en la modernidad los mundos del arte son múltiples, no se separan tangente mente entre ellos, ni del resto de la vida social; cada uno comparte con otros campos el suministro personal, de recursos económicos e intelectuales, mecanismos de distribución de los bienes y los públicos.

Para dar inicio al conocimiento de las culturas hibridas, es importante conocer que es la modernidad y cuál es su importancia en la sociedad actual en torno a las nuevas formas de comunicar en los seres humanos. La modernidad es aquella categoría que hace referencia al desarrollo social e histórico a partir de la época del Renacimiento, desde allí el hombre se encarga de crear nuevas metas según sean sus designios en el cual cada quien le da un sentido propia a la manera de vivir y por ende, un cambio y una nueva era de la industrialización

La modernidad está compuesta por cuatro movimientos básicos: El primero es el proyecto emancipador  y hace referencia a  que los campos culturales se secularizan y a la vez existe un aumento del individualismo. El segundo es el proyecto expansivo en el cual es indispensable la búsqueda de la extensión de conocimiento, busca tomar posesión de la naturaleza, la producción, circulación y consumo de bienes y en este proceso es importante conocer el Capitalismo hay un incremento del lucro promoviendo descubrimientos científicos y desarrollo industrial, el tercero es el proyecto renovador, en el cual es indispensable la búsqueda de perfeccionamiento e innovación considerando que la sociedad se ha liberado de toda ley que diga como debe ser el mundo ya que existe la necesidad de reformular los signos de distinción que el consumo mistificado desgasta y por último es el proyecto democratizador el cual confía en la educación, difusión del arte y saber especializados que conduzcan a una evolución racional y moral. Autores como Habermas, Becker y  Bordeau estudiaron la autonomía cultural como componente definidor de la modernidad en sus sociedades .Canclini afirmaba que para captar el sentido de la contradicción, no hay lugar más propicio que el desencuentro ocurrido entre la estética Moderna y la dinámica socioeconómica del desarrollo artístico. Mientras los teóricos e historiadores exaltan la autonomía del arte, las prácticas del mercado y de la comunicación masiva fomentan la dependencia de los bienes artísticos de procesos extra estéticos. No obstante,   las diversas historias nacionales de Alemania, Francia y Estados Unidos y sus diferentes teorías desarrollan análisis complementarios sobre el sentido que tiene el arte en la sociedad.

Habernas retoma la afirmación de Max weber de que lo moderno se constituye al independizarse la cultura de la razón y se debe constituir en la ciencia, la moralidad y el arte  regido por la verdad , la autenticidad y la belleza. El crecimiento de la ciencia y el arte ayudaría al amplio conocimiento y el progreso de la sociedad. Es decir, la extrema diferenciación contemporánea entre la moral, la ciencia el arte hegemónico y la desconexión entre los tres con la vida cotidiana. Es en ese momento en que esta autor nos invita a cuestionarnos sobre la modernidad “¿Es entonces la modernidad una causa perdida o un proyecto inconcluso? Respecto a eso, debemos profundizar con el fin que la renovación no se quede en un statu quo y siga avanzando cada vez mejor en la búsqueda de otras maneras de incluir la cultura en la vida diaria para que no se quede únicamente en la repetición de tradiciones. La trayectoria de Habermas ejemplifica cómo el pensamiento sobre la modernidad se construye con el diálogo con autores premodernos y posmodernos  por ejemplo, Bordeiu y Becker, revelan que la cultura moderna se diferencia de todo periodo anterior al constituirse desde el espacio autónomo en una estructura social. Ninguno de los dos trata extensamente la modernidad, pero de hecho sus estudios buscan explicar la dinámica de la cultura en sociedades de orden eclesiástico donde existe una avanzada división

La modernidad es anunciada como la superación de lo antiguo y lo tradicional, explorando las necesidades culturales, cuestionando el folclore, el eco en los gustos musicales de los jóvenes y en los medios electrónicos. EL arte pre moderno y el auge de los pintores latinoamericanos se remontan a fines de los ochenta y dando inició a los 90 se entiende como parte de la apertura a lo no moderno; sin embargo el primitivismo en el arte del siglo XX fue la instancia máxima de la legitimación y consagración de las nuevas tendencias. Propuso una lectura de  los artistas de la modernidad que marcaba en vez de la autonomía y la innovación las semejanzas de la creación formal  de las obras  con piezas antiguas.

Ferdinand Cheval, era conocido por la difusión de historiadores y artistas que supieron valorar obras extrañas al mundo del arte, el libro catálogo muestra cinco prólogos, como si el museo hubiera sentido mayor necesidad que en otras exhibiciones de explicar y prevenir.

Cuatro de ellos en vez de buscar lo especificado de los artistas expuestos , quieren entenderlos relacionándolos con tendencias del arte moderno a Michel Ragon  le recuerdan  a los expresionistas y surrealistas por su imaginación  delirante  a Van Gogh por su anormalidad , declarándolos artistas ya que son individuos solitarios  e inadaptados siendo estos caracterizas de  un verdadero artista , se aseguraba que el museo no hacia esta muestra por buscar una alternativa a una vanguardia fatigada , si no para renovar la mirada y reencontrarse con lo salvaje del arte cultural .

El arte culto ya no es un comercio minorista, es una ideología moderna de la autonomía y el desinterés de las audiencias masivas que en las elites que originaron estas creencias. La extensión del mercado artístico invierte en los valores estéticos alterando las formas de estimar el arte, los cambios en la nómina de consultados que expresan las modificaciones en la lucha por la consagración artística, generan otros criterios de selección.

Se resume al porcentaje de artistas de  vanguardia  que resurgen aquellos grandes ancestros puestos que la modernidad y la innovación dejan de ser los valores supremos.

Concluye el historiador Juan Antonio Ramírez  al comprobar que los precios más elevados que se pagan en las subastas no corresponden a las obras que los expertos juzgan mejores o significativas, ya que en ningún país  es tan evidente la fuerza de los empresarios, y por tango de los administradores del arte.

En una sociedad como la norteamericana donde la evasión de impuestos y la publicidad se enfermizan como parte de las tradiciones nacionales de filantropía y caridad, sigue siendo posible que las dotaciones a los museos preserven la espiritualidad del arte, así como el cine la radio los discos la televisión incluso los vídeos. El arte y el público implican una estética lejana, es decir los artistas no conocen sus espectadores ni pueden recibir directamente sus críticas sobre las obras.

La producción artística rehabilita un sistema paralelo de publicidad y difusión  a través de entrevistas biográficas a artistas  incluso intervenciones sobre su vida personal o sobre su trabajo de preparación de una película, obra etc. manteniendo vigente los argumentos del artista de la obra que exalta los  colores del espíritu en oposición al materialismo generalizado.

Andreas Huyssen afirma que la cultura que viene de los 70 es más amorfa y difusa más rica en diversidad yen variedad que la de los 60 en que las tendencias y los movimientos evolucionaron con una secuencia más o menos ordenada.